Autor: biografía, fotografía y obras representativas

Pablo Ruiz Picasso, conocido como Pablo Picasso en su faceta artística, fue un pintor y escultor español. Junto con Georges Braque y Juan Gris creó el movimiento cubista aunque también abordó otros géneros como el dibujo, el grabado, la ilustración de libros, la escultura, la cerámica, el diseño de escenografía y vestuario para montajes teatrales.

1881: el 25 d Octubre nace en Málaga el primogénito de José Ruiz Blasco y María Picasso López (una familia pequeño burguesa), Pablo Ruiz Picasso.

1889: Con tan sólo 8 años de edad Picasso pinta “El pequeño picador amarillo” después de acudir a una corrida de toros y bajo la supervisión de su padre. Esta es su primera pintura al óleo. Es también este mismo año cuando pinta  “Vista del puerto de Málaga”.

1891: La familia abandona Málaga y se traslada a La Coruña donde el padre de Picasso Trabaja como profesor de  la escuela de Bellas Artes. Pablo trabaja en sus dibujos mostrando un vivo interés por los personajes populares.

1892: Picasso comienza sus estudios en la escuela de Bellas Artes.

1895: Pablo pasa el verano en Málaga donde pinta “Retrato de viejo pescador”. En septiembres su familia se traslada a Barcelona donde su padre había obtenido una beca en la Escuela de Bellas Artes de Lonja. Pablo asiste a la misma como alumno.

1896: En abril de este año Pablo participa en la III Exposición de Bellas Artes de Barcelona con el cuadro “La primera comunión”.

1897: Su obra Ciencia y Caridad recibe la Mención de Honor en la Exposición Nacional de Bellas Artes de Madrid. Este mismo año se traslada a esta ciudad a estudiar en la Academia de Bellas Artes de San Fernando.

1898: Vuelve a Barcelona enfermo d escarlatina a casa de su amigo Manuel Pallarés. En esta estancia, Picasso se reencuentra con las raíces del país y con la naturaleza,  en consonancia con el ideario modernista. Razón que dará lugar a los primeros episodios «primitivistas» de su carrera.

Desde este año firma sus obras como «Pablo Ruiz Picasso», luego como «Pablo R. Picasso», y sólo como «Picasso» desde 1901. El cambio obedece al deseo de Picasso de distinguirse como personaje, ya que “Picasso” era  mucho menos corriente que el “Ruiz”.

1899: vuelve de nuevo a Barcelona donde en el bar “Els Quatre Gats” se reúne habitualmente con un grupo de artistas modernistas. A raíz de estos encuentros su estilo academicista dará un vuelco.

1900: Expone por primer a vez sólo en “Els Quatre Gats”. En septiembre viaja a París con su amigo Casagemas para asistir a la Exposición Universal donde se expone un cuadro suyo “Últimos momentos”. Los dos vuelven en Año Nuevo a Málaga, en la que será la última estancia de Picasso a su ciudad Natal.

1901: A finales de enero vuelve a Madrid donde codirige la revista Arte Joven. A mitad de Febrero el suicidó de su amigo Casagemas que influirá mucho en su pintura. Picasso pinta “El entierro de Casagemas”. A finales de abril vuelve a Barcelona a donde exhibe su obra “Mujer en azul” en la Exposición General de Bellas Artes. En Mayo vuelve a Paris donde conoce al poeta Max Jacob y se instala en el estudio que había sido de Casagemas. En otoño de este año comienza su época azul. En esta época se pueden apreciar las influencias de Gauguin y Van Gogh cuando Picasso  aísla a sus personajes ambiente desdibujado en  utilizando prácticamente sólo color azul. Durante este peiodo pinta “Los dos saltimbanquis” “Arlequín apoyado” y acaba “El entierro de Casagemas”. En invierno pinta el Retrato de Jaime Sabartés , el Retrato de Mateu Fernández de Soto y el Autorretrato azul.

1902: Vuelve a Barcelona. A finales de enero de 1902 empieza a trabajar a trabajar en el estudio de Ángel Fernández de Soto, en el número 6 de la calle Nou de la Rambla.

En octubre se instala en París con donde mal vive en el apartamento de Jacob.

1903: Regresa a Barcelona donde pinta una de las obras cumbres de su época azul “La vida”, finaliza “La Celestina” y comienza un nuevo retrato d Jaime Sabartés.

1904: Picasso se instala definitivamente en París donde empezará su época rosa. Allí retoma el contacto con varios artistas españoles y uno de ellos, Ricardo Canals, le enseña la técnica del aguafuerte. En agosto Picasso conoce a Fernande Olivier,  su compañera hasta 1912.

Desde que se instala en Paris, los temas y colores de sus obras empiezan a cambiar, toma como fuente de inspiración a los artistas de circo.  A partir d este momento, la época rosa se distingue por sus colores pastel y tonos cálidos, de líneas suaves y delicadas. Algunas obras representativas son “El actor”, “Acróbata con balón”, “La familia de saltimbanquis” “Acróbata y joven arlequín”, “Familia de acróbatas con mono” o la acuarela de “El loco”. También pinta máscaras, arlequines, domadores y payasos y las maternidades rosas.

1905: Del 25 de febrero al 6 de marzo exhibe en la Galería Sérurier sus primeras obras de esta época. También modela su cabeza en barro añadiendole el sombrero y cascabeles de un bufón, al estilo de los personajes circenses llamada “El loco” más tarde se fundiría en bronce.

1906: Viaja con Fernande a Barcelona y al pirineo Leridano donde comienza su tranbsición de la época rosa al cubismo. Hacia final de año deja de pintar, y se enfrascó en una serie de estudios y bocetos de desnudos para una composición de múltiples figuras bajo el tema del burdel.

1907: Visita el Museo de Etnografía en París y está visita tenmdrá mucha influencia en su cuadro “Las señoritas de Aviñon” que supone supone su ruptura con el realismo, aunque todavía conserva las tonos de su época rosa.

1908: Tomando a las “Las señoritas de Aviñon” como base Braque y Picaso formulan el cubismo. El cubismo es un punto de inflexión en la historia del arte ya que inspira al resto de vanguardias a rechazar la descripción naturalista. El cubismo tendrá muchos seguidores como Juan Gris, Francis Picabia, Brancusi, Delaunay y Albert Gleizes.

Picasso vuelve a Barcelona y además de pintar el retrato de su amigo Manuel Pallarés pinta obras en las que se obvia las formas naturales  geometrizando las imágenes. Superpone planos, y usa la luz de manera arbitraria, es una reconstrucción del mundo lo que pinta, dando a luz al cubismso analítico.

En septiembre se traslada de nuevo a París donde sigue desarrollando el cubismo que se extiende por Europa aunque con diferencias notables. El cubismo sería fuente de inspiración para los futuristas y  vorticistas.

En 1909 Picasso realizó una serie de retratos en los que el rigor en su disciplina de búsqueda de una nueva concepción del espacio le condujo a una reducción progresiva en el uso del coloren los que, a pesar de su tendencia progresiva a pintar con el ojo del pensamiento más que directamente de la naturaleza, trabajó en numerosas sesiones con los modelos, a semejanza del de Gertrud Stein anteriormente; y en los que a pesar del progresivo proceso de segmentación analítica del espacio y la forma, Picasso captaba la fisonomía de los personajes.

El invierno de 1910 a 1911 Picasso y Braque mantuvieron una colaboración tan estrecha que es difícil aventurar el origen de las ideas que ambos pusieron en marcha, y al no firmar los cuadros hubo momentos en que se les hizo difícil distinguir la propia obra de la del otro; a medida que avanzaban en su análisis del objeto, Picasso y Braque sentían perder la referencia con su realidad reconocible. La inclusión de elementos de la realidad en sus composiciones cubistas les condujo posteriormente al trampantojo o trompe l’œil, y de aquí a la invención del collage, con lo que rompían con la tradición de no emplear más de un medio para una obra y ponían en cuestión los principios de la pintura misma.

A principios de 1912 Picasso realizó la primera escultura construida, Guitarra (MoMA, Nueva York), hecha de cartón, cordel y alambre. Picasso inició en gran medida un proceso que provocó la liberación de la escultura de conceptos clásicos como el volumen y la sustitución de los procesos de modelado o talla por todo tipo de técnicas constructivas que constituyeron una transformación revolucionaria en la escultura.

Entre 1912 y 1915 Picasso y Braque desarrollaron la segunda fase del cubismo, en la que retornaron a su obra un equivalente a los conceptos tradicionales que habían roto o eliminado en la fase precedente; formas, objetos y palabras se volvieron reconocibles al tiempo que se reconstituyó la superficie; recuperaron el uso de un cromatismo más sólido y brillante, los planos se contornearon y demarcaron claramente, superponiéndose y apareciendo una implicación con superficies texturadas y estampados decorativos.

Cubismo sintético

Alrededor de la época del Salón de Otoño, Picasso pintó dos grandes obras de particular importancia, el Jugador de cartas (MoMA, Nueva York),[134] que contiene muchos elementos del collage trampantojo, y Mujer en camisa sentada en un sillón (colección privada, Nueva York), en la que se combinan el color del cubismo analítico y los patrones esquemáticos del sintético.

Cubismo puntillista y cubismo frío

El atentado de Sarajevo en el que fueron asesinados el archiduque Francisco Fernando de Austria y su esposa desencadenó el inicio de la Primera Guerra Mundial. Apollinaire solicitó la ciudadanía francesa para alistarse como voluntario; Braque y Derain fueron movilizados, Picasso se despidió de ellos en la estación de Avignon el 2 de agosto de 1914.De retorno a París a mediados de noviembre, su en cierto modo ambivalente actitud hacia la guerra y su relación con sus patrones alemanes Kahnweiler y Thannhauser, unidos a que la mayor parte de los hombres jóvenes estaban en el frente, provocaron que Picasso fuera visto con desconfianza.

Durante la guerra su trabajo se centró en bodegones cubistas y retratos de estilo naturalista; el cubismo, puntillismo, manierismo y neoclasicismo coexistieron en su trabajo desde 1917. Al finalizar la guerra, aunque siguió trabajando simultáneamente en estos estilos tan dispares, Picasso tendió poco a poco hacia un estilo neoclásico, que se mostró plenamente desarrollado en 1920 y que sustentó su interés hasta 1924.

En agosto de 1916 aceptó finalmente trabajar en el ballet Parade. Picasso introdujo varios cambios en la obra, ideas que gustaban a Satie más que las de Cocteau.El 19 de febrero llegó con Cocteau a Roma para unirse a Diágilev y los Ballets Rusos. Durante su estancia en Roma renovó su interés en el estilo académico de Ingres, cuya influencia se reflejaría en su obra en los años siguientes.

1918 marca el inicio de lo que Max Jacob identificó como el periodo duquesa, que términó sobre 1923. Desde el 23 de enero hasta el 15 de febrero de 1918, Picasso expuso con Matisse en la galería de Paul Guillaume, una serie de pinturas protocubistas. En un clima aún hostil al cubismo, la exposición suscitó numerosos comentarios en la prensa.

A finales de septiembrePaul Rosenberg se convirtió en el marchante oficial de Picasso, quien sólo aceptó un acuerdo verbal con éste, que otorgaba al marchante la primera opción a la obra del artista; Daniel-Henry Kahnweiler había sido su marchante desde 1907 hasta que estalló la guerra entre Alemania y Francia y se vio forzado a marchar a Suiza.

Durante 1919 siguió trabajando en obras cubistas y realistas simultáneamente. Realizó algunas obras realistas, en las que se aprecia cierta monumentalidad y peso escultórico en las figuras, como Naturaleza muerta con jarra y manzanas (Museo Picasso, París)[161] y La siesta (MoMA, Nueva York)[162] en el estilo robusto y clásico del último Ingres, un carácter escultural y apariencia masiva en las figuras que se manifestaría en sus obras neoclásicas de 1920.[163En mayo Picasso llegó a Londres, donde Diágilev preparaba un nuevo ballet con música de Manuel de Falla, El sombrero de tres picos, basado en la novela homónima de Pedro de Alarcón. Picasso se entusiasmó con la historia, ambientada en el sur de Italia en el siglo XVIII; y con la oportunidad de trabajar de nuevo con Massine y por primera vez con Falla.

Desde su matrimonio con Olga y el nacimiento de su primer hijo, Pablo, Picasso disfrutaba de una vida familiar feliz; llevaba una vida social muy activa, alternando con la aristocracia y la intelectualidad parisina; la crítica de vanguardia alababa sus logros artísticos, aunque se centraban en los aspectos formales, ignorando los elementos intuitivos y psicológicos de su obra. Aceptado por la sociedad y la crítica, Picasso estaba considerado como una parte de la tradición francesa que descollaba por encima de las travesuras de la nueva generación de dadaístas antiburgueses, que empezaban a ser suplantados por el grupo que se conocería como los surrealistas.

En 1926 trabajó un estilo que se ha identificado como cubismo curvilíneo, en el que se combinaban las superficies sinuosas del cubismo decorativo, la superposición de cabezas en las figuras y las deformaciones curvas exploradas en los dibujos de constelaciones, aplicadas a una red cubista. Puede verse en Las modistas (El taller de la modista) (Musée National d’Art Moderne, Centro Georges Pompidou, París) y El pintor y su modelo (Museo Picasso, París), obras monocromas pintadas en gris, negro, blanco y ocre canela.

En enero de 1928 realizó un gran collage llamado El Minotauro (Musée National d’Art Moderne, Centro Georges Pompidou, París.)[195] Consistente en dos piernas que salen de una cabeza de toro, es la primera aparición en su obra del tema mitológico del minotauro, mitad hombre, mitad toro, que culminó en el Guernica en 1937. También continuó trabajando el tema de las bañistas biomórficas y el pintor y su modelo.

En la primavera de 1929 realizó la escultura en hierro soldado y pintado La mujer en el jardín (Museo Picasso, París), en el taller de González. También inició los primeros estudios para La crucifixión(Museo Picasso, París), que completaría en 1930. La tensión de su matrimonio con Olga se reflejaba en obras como Busto de mujer y autorretrato (colección privada), en el que una salvaje cabeza femenina con las fauces abiertas se impone sobre un perfil clásico de sí mismo.

En septiembre de 1930 inició la serie de cien grabados que formarían la Suite Vollard; Picasso trabajó en esta serie desde 1930 a 1937, aunque el grueso del trabajo lo realizó entre 1933 (sesenta y un grabados) y 1934 (veinticuatro grabados). También trabajó sobre los grabados para Las metamorfosis de Ovidio,[208] publicado en 1931, un total de quince grabados a página completa y otros quince a media página.

De junio a septiembre de 1934 hizo unas series de toros, pintadas, dibujadas y grabadasHizo los dibujos al agua y otros sobre el tema del Minotauro. Ese mismo año, al comienzo de la Guerra Civil Española, fue nombrado director de Museo del Prado de Madrid. A principios de agosto, Picasso partió para Mougins y se reunió con Dora Maar.

En enero de 1937 el arquitecto catalán Josep Lluís Sert le pidió que colaborase con un gran mural para el pabellón de la Segunda República Española de la Exposición Internacional de París. El gobierno electo del país se enfrentaba a una posible derrota durante la Guerra Civil Española por los Nacionales de Franco, apoyados por la Alemania nazi y la Italia fascista. La república tenía la esperanza de demostrar al mundo que eran ellos los que representaban al pueblo español y sus logros. Picasso, que en 1936 había aceptado la invitación del entonces presidente de la república Manuel Azaña de convertirse en director honorario del Museo del Prado en Madrid,[209] se mostró reluctante en un principio, tanto por el tamaño del proyecto como porque nunca había aceptado antes un encargo con carácter propagandístico. Dora Maar encontró en febrero un estudio muy grande en el nº 7 de la rue des Grands-Augustins, donde Picasso podía llevar a cabo el proyecto.

El 26 de abril de 1937 se produjo el brutal bombardeo de la localidad de Guernica por parte de la alemana Legión Cóndor a petición de Franco. Picasso, que hasta entonces no tenía muy claro el tema para el cuadro, se inspiró en este hecho para desarrollar el mural del pabellón de la Segunda República, y se embarcó el 1 de mayo en la creación de una de sus obras más famosas: Guernica (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid), que fue finalmente expuesto en el Pabellón de España en la Exposición Internacional. Dora Maar fotografió el proceso y los distintos estadios del cuadro, que Picasso finalizaría a principios de junio. El cuadro simboliza todo el horror de la guerra y la tragedia de la muerte de muchas víctimas inocentes. También en contra de la guerra, con motivo de su adhesión al Consejo Mundial de la Paz pintó el famoso La paloma de la paz en 1949. Recibió el premio internacional de la paz en 1955.

De octubre a diciembre de 1937, pintó La mujer que llora (París, Museo Picasso). Después en 1938, hizo un gran collage, Les Femmes à leur toilette (París, Musee National d’Art Moderne). En julio de 1938, va a Mougins con Dora Maar. En julio de 1939 fue con Dora Maar a vivir con Man Ray en Antibes, donde hizo Pêche de nuit à Antibes (Museo de Arte Moderno de Nueva York). A partir de septiembre de 1939 hasta principios de 1940, pintó en Royan el cuadro Séquence de femmes au chapeau.

Entre 1942 y 1943 realizó el ensamblaje, cabeza de toro (París, Museo Picasso), La Aubade (París, Musee National d’Art Moderne), L’Homme au mouton (París, Museo Picasso).

Tras el final de la Segunda Guerra Mundial, sus cuadros se volvieron más optimistas, más alegres, mostrando, como el título de una serie de 1946, la alegría de vivir que se sentía entonces. Finalizada la guerra, el entorno de amistades de Picasso estaba compuesta por artistas e intelectuales comunistas, lo que marcó en cierto sentido al menos una parte de su obra entre 1946 y 1953.

En febrero de 1949 Louis Aragon acudió al estudio parisino de Picasso a seleccionar un dibujo para el cartel del Congreso Mundial de Partisanos por la Paz que había de celebrarse en París en abril del mismo año. La colombe, un dibujo a lápiz azul sobre papel, fue el motivo escogido por Aragon, y la imagen fue conocida rápidamente como La paloma de la paz.

En primavera volvió brevemente a Vallauris y compró una fábrica de esencias abandonada para usarla como estudio, y utilizó algunas habitaciones para almacenar su trabajo en cerámica. También comenzó a recolectar objetos y cachivaches, que posteriormente reutilizaría en distintas piezas. Intensificó su trabajo en escultura.

El 6 de agosto de 1950 Laurent Casanova inauguró la exposición L’Homme au mouton en Vallauris. Picasso hizo La cabra, La mujer del cochecito y Niña saltando a la cuerda. El 15 de enero de 1951, pintó Masacre en Corea. En 1952, dibujó La guerra y La paz para decorar la capilla de Vallauris, escribió una segunda obra de teatro: Les Quatre Petites Filles.

En 1956 realizó Los Bañistas, esculturas en madera (Stuttgard, Staatsgalerie) que después fueron esculpidas en bronce. Pintó El taller de la California. El 17 de agosto de 1957 empezó a trabajar en las Meninas (Barcelona, Museo Picasso). El 29 de marzo de 1958 se presentó la decoración para la Unesco: La caída de Ícaro. En septiembre, Picasso compró el castillo de Vauvenargues y pintó La bahía de Cannes.

En noviembre de 1962 pintó El rapto de las sabinas del cual una versión está en el Museo Nacional de Arte Moderno de París. La inauguración de la retrospectiva en el Grand Palais y en el Petit Palais tuvo lugar el 19 de noviembre de 1966.En enero de 1970, el Museo Picasso de Barcelona recibió la donación de las obras conservadas por su familia. Una exposición suya tuvo lugar en el Palacio de los Papas de Aviñón de mayo a octubre. En abril de 1971 la Galería Louise Leiris expuso 194 dibujos realizados entre el 15 de diciembre de 1969 y 12 de enero de 1971. Nueva exposición en la galería Louise Leiris en enero de 1973, mostrando los 156 aguafuertes realizados entre fines de 1970 y marzo de 1972.

En 1973 murió debido a un edema pulmonar, en su casa de Mougins (Francia).

Bibliografía

  • Marchán Fiz, Simón: «Nacimiento y evolución del cubismo (1907-1914): Braque, Picasso y J. Gris», en Summa Artis. Historia general del arte (Antología, vol. XII), págs. 53-92, Madrid, © Espasa Calpe, S.A., 2004; Simón Marchán, 1994, 1995, ISBN 84-670-1363-X
  • Palau i Fabre, Josep (1990). Picasso: Cubismo 1907-1917. Ediciones Polígrafa. pp. 532. ISBN 9788434306226.

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