Obras principales

January 10, 2011
  • Les Demoiselles de Avignon (1907/Picasso)

  • Cubismo analítico o hermético (1909-1912)

i.      Casas sobre una colina (1909/Picasso)

ii.      El Retrato de Kahnweiler (1910/Picasso).

iii.      Desnudo bajando una escalera (1912 / Duchamp)

  • Cubismo sintético (1912-1914)

i.      El Portugués (1911 / Braque)

ii.      Naturaleza muerta con silla de paja (1912 / Picasso)

iii.      Naturaleza muerta con copa y fruta (1912/Picasso)

iv.      Naturaleza Muerta con Naipes (1913/Braque)

  • La partida de cartas (1917 / Leger)

Recorrido publicitario

January 10, 2011

Para realizar este ejercicio hicimos una ruta por Barcelona desde calle Pujades hasta Plaza Catalunya, en nuestro recorrido pudimos ver como la publicidad está presente en las más diversas formas, en las tiendas, en las paradas de autobus, en camiones, en banderolas, etc. incluso en el ascensor que utilizamos para bajar a la calle.

Obviamente toda esta publicidad está siempre  colocada a la altura de los ojos o más arriba, no tiene sentido colocarla más abajo porque normalmente no nos fijamos en el suelo (aunque eso conlleve llevarnos alguna sorpresa desagradable de nuestros amigos los perros).

Un detalle curioso es que a medida que te acercas al centro, a las zonas más concurridas, la publicidad también se hace mayor, es por estas zonas donde encontramos las grandes gráficas que ocupan edificios enteros.

En estas fechas de consumismo podemos ver un tipo de publicidad que no vemos como tal y que es posiblemente de las más abundantes, las bolsas que nos dan en las tiendas cada vez que compramos alguna cosa, podemos verlas a miles por la calle.

Autor: biografía, fotografía y obras representativas

January 9, 2011

Pablo Ruiz Picasso, conocido como Pablo Picasso en su faceta artística, fue un pintor y escultor español. Junto con Georges Braque y Juan Gris creó el movimiento cubista aunque también abordó otros géneros como el dibujo, el grabado, la ilustración de libros, la escultura, la cerámica, el diseño de escenografía y vestuario para montajes teatrales.

1881: el 25 d Octubre nace en Málaga el primogénito de José Ruiz Blasco y María Picasso López (una familia pequeño burguesa), Pablo Ruiz Picasso.

1889: Con tan sólo 8 años de edad Picasso pinta “El pequeño picador amarillo” después de acudir a una corrida de toros y bajo la supervisión de su padre. Esta es su primera pintura al óleo. Es también este mismo año cuando pinta  “Vista del puerto de Málaga”.

1891: La familia abandona Málaga y se traslada a La Coruña donde el padre de Picasso Trabaja como profesor de  la escuela de Bellas Artes. Pablo trabaja en sus dibujos mostrando un vivo interés por los personajes populares.

1892: Picasso comienza sus estudios en la escuela de Bellas Artes.

1895: Pablo pasa el verano en Málaga donde pinta “Retrato de viejo pescador”. En septiembres su familia se traslada a Barcelona donde su padre había obtenido una beca en la Escuela de Bellas Artes de Lonja. Pablo asiste a la misma como alumno.

1896: En abril de este año Pablo participa en la III Exposición de Bellas Artes de Barcelona con el cuadro “La primera comunión”.

1897: Su obra Ciencia y Caridad recibe la Mención de Honor en la Exposición Nacional de Bellas Artes de Madrid. Este mismo año se traslada a esta ciudad a estudiar en la Academia de Bellas Artes de San Fernando.

1898: Vuelve a Barcelona enfermo d escarlatina a casa de su amigo Manuel Pallarés. En esta estancia, Picasso se reencuentra con las raíces del país y con la naturaleza,  en consonancia con el ideario modernista. Razón que dará lugar a los primeros episodios «primitivistas» de su carrera.

Desde este año firma sus obras como «Pablo Ruiz Picasso», luego como «Pablo R. Picasso», y sólo como «Picasso» desde 1901. El cambio obedece al deseo de Picasso de distinguirse como personaje, ya que “Picasso” era  mucho menos corriente que el “Ruiz”.

1899: vuelve de nuevo a Barcelona donde en el bar “Els Quatre Gats” se reúne habitualmente con un grupo de artistas modernistas. A raíz de estos encuentros su estilo academicista dará un vuelco.

1900: Expone por primer a vez sólo en “Els Quatre Gats”. En septiembre viaja a París con su amigo Casagemas para asistir a la Exposición Universal donde se expone un cuadro suyo “Últimos momentos”. Los dos vuelven en Año Nuevo a Málaga, en la que será la última estancia de Picasso a su ciudad Natal.

1901: A finales de enero vuelve a Madrid donde codirige la revista Arte Joven. A mitad de Febrero el suicidó de su amigo Casagemas que influirá mucho en su pintura. Picasso pinta “El entierro de Casagemas”. A finales de abril vuelve a Barcelona a donde exhibe su obra “Mujer en azul” en la Exposición General de Bellas Artes. En Mayo vuelve a Paris donde conoce al poeta Max Jacob y se instala en el estudio que había sido de Casagemas. En otoño de este año comienza su época azul. En esta época se pueden apreciar las influencias de Gauguin y Van Gogh cuando Picasso  aísla a sus personajes ambiente desdibujado en  utilizando prácticamente sólo color azul. Durante este peiodo pinta “Los dos saltimbanquis” “Arlequín apoyado” y acaba “El entierro de Casagemas”. En invierno pinta el Retrato de Jaime Sabartés , el Retrato de Mateu Fernández de Soto y el Autorretrato azul.

1902: Vuelve a Barcelona. A finales de enero de 1902 empieza a trabajar a trabajar en el estudio de Ángel Fernández de Soto, en el número 6 de la calle Nou de la Rambla.

En octubre se instala en París con donde mal vive en el apartamento de Jacob.

1903: Regresa a Barcelona donde pinta una de las obras cumbres de su época azul “La vida”, finaliza “La Celestina” y comienza un nuevo retrato d Jaime Sabartés.

1904: Picasso se instala definitivamente en París donde empezará su época rosa. Allí retoma el contacto con varios artistas españoles y uno de ellos, Ricardo Canals, le enseña la técnica del aguafuerte. En agosto Picasso conoce a Fernande Olivier,  su compañera hasta 1912.

Desde que se instala en Paris, los temas y colores de sus obras empiezan a cambiar, toma como fuente de inspiración a los artistas de circo.  A partir d este momento, la época rosa se distingue por sus colores pastel y tonos cálidos, de líneas suaves y delicadas. Algunas obras representativas son “El actor”, “Acróbata con balón”, “La familia de saltimbanquis” “Acróbata y joven arlequín”, “Familia de acróbatas con mono” o la acuarela de “El loco”. También pinta máscaras, arlequines, domadores y payasos y las maternidades rosas.

1905: Del 25 de febrero al 6 de marzo exhibe en la Galería Sérurier sus primeras obras de esta época. También modela su cabeza en barro añadiendole el sombrero y cascabeles de un bufón, al estilo de los personajes circenses llamada “El loco” más tarde se fundiría en bronce.

1906: Viaja con Fernande a Barcelona y al pirineo Leridano donde comienza su tranbsición de la época rosa al cubismo. Hacia final de año deja de pintar, y se enfrascó en una serie de estudios y bocetos de desnudos para una composición de múltiples figuras bajo el tema del burdel.

1907: Visita el Museo de Etnografía en París y está visita tenmdrá mucha influencia en su cuadro “Las señoritas de Aviñon” que supone supone su ruptura con el realismo, aunque todavía conserva las tonos de su época rosa.

1908: Tomando a las “Las señoritas de Aviñon” como base Braque y Picaso formulan el cubismo. El cubismo es un punto de inflexión en la historia del arte ya que inspira al resto de vanguardias a rechazar la descripción naturalista. El cubismo tendrá muchos seguidores como Juan Gris, Francis Picabia, Brancusi, Delaunay y Albert Gleizes.

Picasso vuelve a Barcelona y además de pintar el retrato de su amigo Manuel Pallarés pinta obras en las que se obvia las formas naturales  geometrizando las imágenes. Superpone planos, y usa la luz de manera arbitraria, es una reconstrucción del mundo lo que pinta, dando a luz al cubismso analítico.

En septiembre se traslada de nuevo a París donde sigue desarrollando el cubismo que se extiende por Europa aunque con diferencias notables. El cubismo sería fuente de inspiración para los futuristas y  vorticistas.

En 1909 Picasso realizó una serie de retratos en los que el rigor en su disciplina de búsqueda de una nueva concepción del espacio le condujo a una reducción progresiva en el uso del coloren los que, a pesar de su tendencia progresiva a pintar con el ojo del pensamiento más que directamente de la naturaleza, trabajó en numerosas sesiones con los modelos, a semejanza del de Gertrud Stein anteriormente; y en los que a pesar del progresivo proceso de segmentación analítica del espacio y la forma, Picasso captaba la fisonomía de los personajes.

El invierno de 1910 a 1911 Picasso y Braque mantuvieron una colaboración tan estrecha que es difícil aventurar el origen de las ideas que ambos pusieron en marcha, y al no firmar los cuadros hubo momentos en que se les hizo difícil distinguir la propia obra de la del otro; a medida que avanzaban en su análisis del objeto, Picasso y Braque sentían perder la referencia con su realidad reconocible. La inclusión de elementos de la realidad en sus composiciones cubistas les condujo posteriormente al trampantojo o trompe l’œil, y de aquí a la invención del collage, con lo que rompían con la tradición de no emplear más de un medio para una obra y ponían en cuestión los principios de la pintura misma.

A principios de 1912 Picasso realizó la primera escultura construida, Guitarra (MoMA, Nueva York), hecha de cartón, cordel y alambre. Picasso inició en gran medida un proceso que provocó la liberación de la escultura de conceptos clásicos como el volumen y la sustitución de los procesos de modelado o talla por todo tipo de técnicas constructivas que constituyeron una transformación revolucionaria en la escultura.

Entre 1912 y 1915 Picasso y Braque desarrollaron la segunda fase del cubismo, en la que retornaron a su obra un equivalente a los conceptos tradicionales que habían roto o eliminado en la fase precedente; formas, objetos y palabras se volvieron reconocibles al tiempo que se reconstituyó la superficie; recuperaron el uso de un cromatismo más sólido y brillante, los planos se contornearon y demarcaron claramente, superponiéndose y apareciendo una implicación con superficies texturadas y estampados decorativos.

Cubismo sintético

Alrededor de la época del Salón de Otoño, Picasso pintó dos grandes obras de particular importancia, el Jugador de cartas (MoMA, Nueva York),[134] que contiene muchos elementos del collage trampantojo, y Mujer en camisa sentada en un sillón (colección privada, Nueva York), en la que se combinan el color del cubismo analítico y los patrones esquemáticos del sintético.

Cubismo puntillista y cubismo frío

El atentado de Sarajevo en el que fueron asesinados el archiduque Francisco Fernando de Austria y su esposa desencadenó el inicio de la Primera Guerra Mundial. Apollinaire solicitó la ciudadanía francesa para alistarse como voluntario; Braque y Derain fueron movilizados, Picasso se despidió de ellos en la estación de Avignon el 2 de agosto de 1914.De retorno a París a mediados de noviembre, su en cierto modo ambivalente actitud hacia la guerra y su relación con sus patrones alemanes Kahnweiler y Thannhauser, unidos a que la mayor parte de los hombres jóvenes estaban en el frente, provocaron que Picasso fuera visto con desconfianza.

Durante la guerra su trabajo se centró en bodegones cubistas y retratos de estilo naturalista; el cubismo, puntillismo, manierismo y neoclasicismo coexistieron en su trabajo desde 1917. Al finalizar la guerra, aunque siguió trabajando simultáneamente en estos estilos tan dispares, Picasso tendió poco a poco hacia un estilo neoclásico, que se mostró plenamente desarrollado en 1920 y que sustentó su interés hasta 1924.

En agosto de 1916 aceptó finalmente trabajar en el ballet Parade. Picasso introdujo varios cambios en la obra, ideas que gustaban a Satie más que las de Cocteau.El 19 de febrero llegó con Cocteau a Roma para unirse a Diágilev y los Ballets Rusos. Durante su estancia en Roma renovó su interés en el estilo académico de Ingres, cuya influencia se reflejaría en su obra en los años siguientes.

1918 marca el inicio de lo que Max Jacob identificó como el periodo duquesa, que términó sobre 1923. Desde el 23 de enero hasta el 15 de febrero de 1918, Picasso expuso con Matisse en la galería de Paul Guillaume, una serie de pinturas protocubistas. En un clima aún hostil al cubismo, la exposición suscitó numerosos comentarios en la prensa.

A finales de septiembrePaul Rosenberg se convirtió en el marchante oficial de Picasso, quien sólo aceptó un acuerdo verbal con éste, que otorgaba al marchante la primera opción a la obra del artista; Daniel-Henry Kahnweiler había sido su marchante desde 1907 hasta que estalló la guerra entre Alemania y Francia y se vio forzado a marchar a Suiza.

Durante 1919 siguió trabajando en obras cubistas y realistas simultáneamente. Realizó algunas obras realistas, en las que se aprecia cierta monumentalidad y peso escultórico en las figuras, como Naturaleza muerta con jarra y manzanas (Museo Picasso, París)[161] y La siesta (MoMA, Nueva York)[162] en el estilo robusto y clásico del último Ingres, un carácter escultural y apariencia masiva en las figuras que se manifestaría en sus obras neoclásicas de 1920.[163En mayo Picasso llegó a Londres, donde Diágilev preparaba un nuevo ballet con música de Manuel de Falla, El sombrero de tres picos, basado en la novela homónima de Pedro de Alarcón. Picasso se entusiasmó con la historia, ambientada en el sur de Italia en el siglo XVIII; y con la oportunidad de trabajar de nuevo con Massine y por primera vez con Falla.

Desde su matrimonio con Olga y el nacimiento de su primer hijo, Pablo, Picasso disfrutaba de una vida familiar feliz; llevaba una vida social muy activa, alternando con la aristocracia y la intelectualidad parisina; la crítica de vanguardia alababa sus logros artísticos, aunque se centraban en los aspectos formales, ignorando los elementos intuitivos y psicológicos de su obra. Aceptado por la sociedad y la crítica, Picasso estaba considerado como una parte de la tradición francesa que descollaba por encima de las travesuras de la nueva generación de dadaístas antiburgueses, que empezaban a ser suplantados por el grupo que se conocería como los surrealistas.

En 1926 trabajó un estilo que se ha identificado como cubismo curvilíneo, en el que se combinaban las superficies sinuosas del cubismo decorativo, la superposición de cabezas en las figuras y las deformaciones curvas exploradas en los dibujos de constelaciones, aplicadas a una red cubista. Puede verse en Las modistas (El taller de la modista) (Musée National d’Art Moderne, Centro Georges Pompidou, París) y El pintor y su modelo (Museo Picasso, París), obras monocromas pintadas en gris, negro, blanco y ocre canela.

En enero de 1928 realizó un gran collage llamado El Minotauro (Musée National d’Art Moderne, Centro Georges Pompidou, París.)[195] Consistente en dos piernas que salen de una cabeza de toro, es la primera aparición en su obra del tema mitológico del minotauro, mitad hombre, mitad toro, que culminó en el Guernica en 1937. También continuó trabajando el tema de las bañistas biomórficas y el pintor y su modelo.

En la primavera de 1929 realizó la escultura en hierro soldado y pintado La mujer en el jardín (Museo Picasso, París), en el taller de González. También inició los primeros estudios para La crucifixión(Museo Picasso, París), que completaría en 1930. La tensión de su matrimonio con Olga se reflejaba en obras como Busto de mujer y autorretrato (colección privada), en el que una salvaje cabeza femenina con las fauces abiertas se impone sobre un perfil clásico de sí mismo.

En septiembre de 1930 inició la serie de cien grabados que formarían la Suite Vollard; Picasso trabajó en esta serie desde 1930 a 1937, aunque el grueso del trabajo lo realizó entre 1933 (sesenta y un grabados) y 1934 (veinticuatro grabados). También trabajó sobre los grabados para Las metamorfosis de Ovidio,[208] publicado en 1931, un total de quince grabados a página completa y otros quince a media página.

De junio a septiembre de 1934 hizo unas series de toros, pintadas, dibujadas y grabadasHizo los dibujos al agua y otros sobre el tema del Minotauro. Ese mismo año, al comienzo de la Guerra Civil Española, fue nombrado director de Museo del Prado de Madrid. A principios de agosto, Picasso partió para Mougins y se reunió con Dora Maar.

En enero de 1937 el arquitecto catalán Josep Lluís Sert le pidió que colaborase con un gran mural para el pabellón de la Segunda República Española de la Exposición Internacional de París. El gobierno electo del país se enfrentaba a una posible derrota durante la Guerra Civil Española por los Nacionales de Franco, apoyados por la Alemania nazi y la Italia fascista. La república tenía la esperanza de demostrar al mundo que eran ellos los que representaban al pueblo español y sus logros. Picasso, que en 1936 había aceptado la invitación del entonces presidente de la república Manuel Azaña de convertirse en director honorario del Museo del Prado en Madrid,[209] se mostró reluctante en un principio, tanto por el tamaño del proyecto como porque nunca había aceptado antes un encargo con carácter propagandístico. Dora Maar encontró en febrero un estudio muy grande en el nº 7 de la rue des Grands-Augustins, donde Picasso podía llevar a cabo el proyecto.

El 26 de abril de 1937 se produjo el brutal bombardeo de la localidad de Guernica por parte de la alemana Legión Cóndor a petición de Franco. Picasso, que hasta entonces no tenía muy claro el tema para el cuadro, se inspiró en este hecho para desarrollar el mural del pabellón de la Segunda República, y se embarcó el 1 de mayo en la creación de una de sus obras más famosas: Guernica (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid), que fue finalmente expuesto en el Pabellón de España en la Exposición Internacional. Dora Maar fotografió el proceso y los distintos estadios del cuadro, que Picasso finalizaría a principios de junio. El cuadro simboliza todo el horror de la guerra y la tragedia de la muerte de muchas víctimas inocentes. También en contra de la guerra, con motivo de su adhesión al Consejo Mundial de la Paz pintó el famoso La paloma de la paz en 1949. Recibió el premio internacional de la paz en 1955.

De octubre a diciembre de 1937, pintó La mujer que llora (París, Museo Picasso). Después en 1938, hizo un gran collage, Les Femmes à leur toilette (París, Musee National d’Art Moderne). En julio de 1938, va a Mougins con Dora Maar. En julio de 1939 fue con Dora Maar a vivir con Man Ray en Antibes, donde hizo Pêche de nuit à Antibes (Museo de Arte Moderno de Nueva York). A partir de septiembre de 1939 hasta principios de 1940, pintó en Royan el cuadro Séquence de femmes au chapeau.

Entre 1942 y 1943 realizó el ensamblaje, cabeza de toro (París, Museo Picasso), La Aubade (París, Musee National d’Art Moderne), L’Homme au mouton (París, Museo Picasso).

Tras el final de la Segunda Guerra Mundial, sus cuadros se volvieron más optimistas, más alegres, mostrando, como el título de una serie de 1946, la alegría de vivir que se sentía entonces. Finalizada la guerra, el entorno de amistades de Picasso estaba compuesta por artistas e intelectuales comunistas, lo que marcó en cierto sentido al menos una parte de su obra entre 1946 y 1953.

En febrero de 1949 Louis Aragon acudió al estudio parisino de Picasso a seleccionar un dibujo para el cartel del Congreso Mundial de Partisanos por la Paz que había de celebrarse en París en abril del mismo año. La colombe, un dibujo a lápiz azul sobre papel, fue el motivo escogido por Aragon, y la imagen fue conocida rápidamente como La paloma de la paz.

En primavera volvió brevemente a Vallauris y compró una fábrica de esencias abandonada para usarla como estudio, y utilizó algunas habitaciones para almacenar su trabajo en cerámica. También comenzó a recolectar objetos y cachivaches, que posteriormente reutilizaría en distintas piezas. Intensificó su trabajo en escultura.

El 6 de agosto de 1950 Laurent Casanova inauguró la exposición L’Homme au mouton en Vallauris. Picasso hizo La cabra, La mujer del cochecito y Niña saltando a la cuerda. El 15 de enero de 1951, pintó Masacre en Corea. En 1952, dibujó La guerra y La paz para decorar la capilla de Vallauris, escribió una segunda obra de teatro: Les Quatre Petites Filles.

En 1956 realizó Los Bañistas, esculturas en madera (Stuttgard, Staatsgalerie) que después fueron esculpidas en bronce. Pintó El taller de la California. El 17 de agosto de 1957 empezó a trabajar en las Meninas (Barcelona, Museo Picasso). El 29 de marzo de 1958 se presentó la decoración para la Unesco: La caída de Ícaro. En septiembre, Picasso compró el castillo de Vauvenargues y pintó La bahía de Cannes.

En noviembre de 1962 pintó El rapto de las sabinas del cual una versión está en el Museo Nacional de Arte Moderno de París. La inauguración de la retrospectiva en el Grand Palais y en el Petit Palais tuvo lugar el 19 de noviembre de 1966.En enero de 1970, el Museo Picasso de Barcelona recibió la donación de las obras conservadas por su familia. Una exposición suya tuvo lugar en el Palacio de los Papas de Aviñón de mayo a octubre. En abril de 1971 la Galería Louise Leiris expuso 194 dibujos realizados entre el 15 de diciembre de 1969 y 12 de enero de 1971. Nueva exposición en la galería Louise Leiris en enero de 1973, mostrando los 156 aguafuertes realizados entre fines de 1970 y marzo de 1972.

En 1973 murió debido a un edema pulmonar, en su casa de Mougins (Francia).

Bibliografía

  • Marchán Fiz, Simón: «Nacimiento y evolución del cubismo (1907-1914): Braque, Picasso y J. Gris», en Summa Artis. Historia general del arte (Antología, vol. XII), págs. 53-92, Madrid, © Espasa Calpe, S.A., 2004; Simón Marchán, 1994, 1995, ISBN 84-670-1363-X
  • Palau i Fabre, Josep (1990). Picasso: Cubismo 1907-1917. Ediciones Polígrafa. pp. 532. ISBN 9788434306226.

Historia

January 9, 2011

El cubismo surge en la primera década del siglo XX.  Entre las circunstancias que contribuyeron a su surgimiento, se ha señalado tradicionalmente tanto la obra de Cézanne como el arte de otras culturas, particularmente la africana. En efecto, Cézanne pretendió representar la realidad reduciéndola a sus formas esenciales,[1] intentando representar los volúmenes sobre la superficie plana del lienzo de una manera nueva, tendencia que fue seguida por los cubistas.

Por otro lado, el imperialismo puso a Occidente en contacto con otras civilizaciones con un arte propio y distinto del europeo. A través de diversas exposiciones, Picasso conoció la escultura ibérica y la africana, que simplificaban las formas y, además, ponían en evidencia que la pintura tradicional obedecía a una pura convención a la hora de representar los objetos conforme a las ideas renacentistas de perspectiva lineal y aérea.

Todo ello no hubiera sido posible sin la aparición de la fotografía pues esta, al representar la realidad visual de manera más exacta que la pintura, liberó a este último arte de la obligación de representar las cosas tal como aparecen ante nuestros ojos y forzó a los artistas a buscarle un sentido diferente a la mera transcripción a las dos dimensiones de la apariencia externa de las cosas. La aparición del cubismo se ha relacionado, además, con otros dos hechos acontecidos en la misma década que revelan que las cosas pueden ser diferentes a como aparentan ser: el psicoanálisis al evidenciar que pueden existir motivaciones más profundas para los actos y pensamientos humanos, y la teoría de la relatividad, que revela que el mundo no es exactamente, en su estructura profunda, como lo presentaba la geometría euclidiana

Cubismo analítico o hermético (1909-1912)

En esta primera etapa del Cubismo Picasso y Braque crearon una tendencia en donde la pintura es casi monocroma en gris y ocre. Los colores en este momento no interesaban pues lo importante eran los diferentes puntos de vista y la geometrización, no el cromatismo. Fueron elaborando un «nuevo lenguaje» que analiza la realidad y la descompone en múltiples elementos geométricos. Los puntos de vista se multiplicaron, abandonando definitivamente la unidad. Se introducen en la pintura los «pasos», definidos como ligeras interrupciones de la línea del contorno. Los volúmenes grandes se fragmentan en volúmenes más pequeños.

Entre las obras de esta fase del cubismo se encuentra el Retrato de Kahnweiler (1910, Instituto de Arte de Chicago).

A este período también se le llama de cubismo hermético, pues por la cantidad de puntos de vista representados, algunas obras parecen casi abstractas. Al hermetismo se llega porque los planos acaban independizándose en relación al volumen de manera que es difícil descodificar la figuración, reconstruir mentalmente el objeto que esos planos representan. El color no ayudaba, al ser prácticamente monocromos y muchas veces convencionales, no relacionados con el auténtico color del objeto. La imagen representada, en definitiva, era ilegible, casi imposible de ver, a no ser por algunos objetos como una pipa, o letras de periódico, que permiten distinguir lo que se está representando.

Cubismo sintético (1912-1914)

Autor: BraqueEn El Portugués (1911) de Braque aparecen palabras y números, lo que abrió una nueva vía que llevó al segundo período del cubismo, el cubismo sintético (1912-1914). Braque, que había sido el primero en utilizar la caligrafía, y que más de una vez intentó imitar la madera o el mármol, fue quien inició esta última fase del cubismo al realizar papier collés, pegando directamente papeles decorados en la pintura. Picasso y Braque comenzaron a incorporar material gráfico como páginas de diario y papeles pintados, técnica que se conoce como collage.

En 1912 Picasso realizó su primer collage, Naturaleza muerta con silla de paja (Museo Picasso, París), en el que añade al lienzo pasta de papel y hule. El color es más rico que en la fase anterior, como puede verse en los rojos y azules de Botella de Suze (1913, Saint Louis, Misuri, Universidad Washington). Estas obras sintéticas son más simples, más sencillas de entender en cuanto a que son más figurativas, se ve claramente lo que se pretende representar. Los objetos ya no se reducen a volúmenes y planos expuestos en diversas perspectivas hasta ser irreconocibles, sino que se reducen a sus atributos esenciales, a aquello que los caracteriza de manera inequívoca y sin lo cual no serían lo que son.

Por ello, aunque reducido a lo esencial, queda claro en todo momento lo que son. Para representar los objetos «tipo» de manera objetiva y permanente, y no a través de la subjetividad del pincel, se recurre a lo que parece un ensamblaje. Los cuadros están formados por diversos materiales cotidianos que se pegaban o clavaban a la tela, como tiras de papel de tapicerías, periódico, partituras, naipes, cajetillas de cigarros o cajas de cerillas. El cuadro se construye con elementos diversos, tanto tradicionales (la pintura al óleo) como nuevos (como el papel de periódico). Los cafés y la música inspiraron estos bodegones. Otras obras de Picasso pertenecientes a esta fase del cubismo sintético son El jugador de cartas (1913-14) o Naturaleza muerta verde (1914). Braque realiza en esta época El clarinete (1913), el Correo (1913), Aria de Bach (1913-14) o Violeta de Parma (1914).

La Primera Guerra Mundial puso fin a la fase más creadora del cubismo. Muchos de los pintores cubistas, al ser franceses, fueron llamados a la lucha (Braque, Léger, Metzinger, Gleizes, Villon y Lhote). En la posguerra, sólo Juan Gris siguió trabajando el cubismo más o menos ortodoxo, aunque en un estilo más austero y simple, en el que los objetos quedaron reducidos a su esencia geométrica. Marcoussis creó una obra más poética. Braque siguió trabajando en la misma línea del cubismo sintético, con papel encolado. Nuevos pintores adoptaron un lenguaje cubista, como María Blanchard. Pero la mayoría de los pintores hasta entonces cubistas, empezando por el propio Picasso, fueron adoptando nuevas tendencias, como ocurre con Duchamp y Picabia, que crearon el dadaísmo o Mondrian que se adhirió a la abstracción. El cubismo, como movimiento pictórico, se puede dar por terminado hacia 1919.

El cubismo y la arquitectura

January 9, 2011

El cubismo tuvo una gran influencia en la arquitectura, pero podría decir que ésta no se dió de forma uniforme en todo el territorio donde la corriente artística estaba presente. Así pues y como veremos en el próximo texto, la arquitectura cubista se centra, sobre todo, en lo acontecido en la República Checa, cuna de la arquitectura cubista.

Hemos dividido el texto en seis apartados para mejorar la estructura y facilitar la lectura.

I. El cubismo en la arquitectura: excepcional en el contexto europeo

Está en contra de:

  • la arquitectura que es demasiado utilitaria
  • Arquitectura que es demasiado materialista
  • Arquitectura que carece de belleza espiritual
  • Arquitectura que no es lo suficientemente teórico
  • decoración y ornamentos adicionales

el Cubismo reclama:

  • La arquitectura debe ser más poética
  • La arquitectura debe ser más expresiva
  • Arquitectura debe ser más dramática
  • La arquitectura debe ser más artístico (del pensamiento artístico y la abstracción se hará cargo de la práctica)

II. Arquitectos cubistas más importantes:

El Grupo de Artistas Visuales: Pavel Janák, Josef Gočár, Vlastislav Hofman

III. Teoría:

Vlastislav Hofman: “El sistema ortogonal del estilo moderno geométrico llegó a ser sustituido por un sistema cuya lógica de la forma consiste en la composición en planos diagonal o triangular.”

Pavel Janák en El prisma y la pirámide (1912):
“El carácter constructivo del estilo geométrico moderno refleja la dependencia de la materia y su peso. El nuevo estilo cubista refleja el carácter activo del espíritu humano y su capacidad de prevalecer sobre la materia.” – Un perfecto ejemplo de esto es una pirámide -desmaterialización hacia la parte superior

Ante la existencia de la materia  (monolítica, la sustancia pasiva, muertos), el espíritu del artista se centra en invertir esta sustancia muerta, da nueva forma a la misma (la creación de una forma espiritual), e incluso desea destruirlo.

Las formas cubistas fueron también el resultado de la reflexión especulativa sobre el efecto óptico de los juegos de luz y sombra en las fachadas; el concepto de frontalidad de Janák: fachada debe hacer frente a varios puntos de vista frontal y lateral al mismo tiempo.

IV. Cubismo y tradición

La mera incorporación de los enfoques de la pintura cubista de la arquitectura parece demasiado especulativa: intentaron persuadirse a sí mismos y al público de que estos diseños han sido producidos conforme a las leyes de la evolución.

La imitación de los edificios históricos y los estilos historicistas se considera altamente inmoral. El estudio de la tradición arquitectónica lleva a la comprensión de las leyes universales y el respeto por la tradición. La arquitectura debe así coexistir en armonía con el genius loci (En la mitología romana un genius loci es el espíritu protector de un lugar, frecuentemente representado como una serpiente. En la actualidad, este término se refiere generalmente a los aspectos característicos o distintivos de un lugar y no necesariamente a un espíritu guardián.).

La inspiración barroca

– Casa Fara en Pelhřimov (1913-14) de Pavel Janák; casa reconstruida en el centro histórico pueblo.  La fachadarecoje una nueva concepción del espacio y la relación de la materia (como en el cubismo analítico de Picasso), donde la materia se diluye en el espacio, la superficie de la arquitectura – pliegues cubista, las fracturas y las olas- se convirtió en una “mezcla de la materia existente en el interior y el espacio en el exterior.”


– Kovařovic Villa (1912-13) de Josef Chochol; la estructura recuerda a una residencia barroca con avant-cuerpo y fachadas

Inspiración gótica

– Edificio calle Neklanova (1913-14) de Josef Chochol tiene un diseño vertical, fuerte. La  esbelta columna de la esquina se asemeja al balcón interior de una iglesia gótica; las formas cristalinas tienen la apariencia de una bóveda de diamantes de estilo gótico tardío; carácter ornamental del sótano y la cornisa principal inclinada: “Las partes que parecen ser ornamentales son … tan necesarias en el organismo total de la obra que en ningún caso es posible arrancarlo del todo.”

Josef Chochol a menudo compuso su arquitectura en la base de guías rítmicamente establecidas figura, lo que marcó el punto en el que la superficie de su fachada se fracturaba
En la decoración: “cambiamos la antigua decoración detallista por la expresión más completa y concentrada de la materia en 3D en evolución.”

La inspiración en la arquitectura neo-clásica

– Balneario de Bohdaneč (1911 hasta 1912) de Josef Gočár fue inspirado por arquitectura neoclásica de los balnearios construidos en la 2 ª mitad del siglo XVIII, articulado en una gramática cubista elegante.


– Casa de la Madonna negra (1911 a 1912) de Josef Gočár, originalmente diseñada en estilo clásico moderno (estructura racional y transparente), pero después de la revisión fundamental del esqueleto de hormigón armado (inspirado en Kotěra y sus composiciones esqueléticas) adquirió sus elementos distintivos cubista (el puerta de entrada, capiteles de las columnas entre las ventanas); se asemeja a la creación barroca; columnas estriadas entre el 3 ventanas de la planta y la cornisa principal crea la impresión clásica.

V. Similitudes y contactos entre el cubismo Checo y el expresionismo alemán
Similitudes:

  • Ambos interesados en objetivos artísticos
  • La arquitectura debe evocar sentimientos dramáticos
  • Ambos reflejan la calidad espiritual de estilo gótico y la forma de cristal
  • Destinadas tanto a la expresión de las posibilidades dinámicas de una forma

Contactos:

  • Exposición Werkbund en Colonia (1914)
  • Muchos proyectos de los arquitectos checos fueron publicados en revistas
  • Revistas expresionistas: Der Sturm, Die Aktion

Comparación:

  • la arquitectura cubista checo empezó antes (el expresionismo alemán se desarrolló después de la Primera Guerra Mundial y en el comienzo de la década de 1920)
  • el cubismo checo fue menos visionario
  • Cubismo checo estaba menos interesado en el espacio y el interior
  • Cubismo checo no estaba interesado en la apoteosis de la luz y cristal

– Torre Einstein en Potsdam (1920-24) de Erich Mendelsohn se convirtió en el icono de la arquitectura expresionista, su propósito no está racionalmente expresado en su estructura, pero sí simbólicamente en su forma (que alberga un telescopio de gran alcance y un laboratorio subterráneo) – mediado entre el cielo y la tierra, sino que evoca una escultura hecha de formas cóncavas y convexas


– Proyecto para el crematorio en Pardubice (1920-21) por Jiří Kroha, interesado en el espacio (salida desde la línea de grosella de la arquitectura checa), la obra de arquitectura es una expresión de una idea espacial que precedió a la concepción del diseño

VI. Otros ejemplos

– Storehouse diamond en la Calle Spálená (1912 -1913) por Králíček Emil


– Farola cubista en la Plaza de Jungmann


– Bloques de apartamentos de la Asociación de Maestros de Escuelas del Estado (1919-21) por Otakar Novotný, cubismo decorativo ligeramente piramidal, fachadas de colores limita con adornos en forma de abanico.

Características Principales

January 7, 2011

El cubismo es considerado la primera vanguardia, ya que rompe con el último estatuto renacentista vigente a principios del siglo XX, la perspectiva. En los cuadros cubistas, desaparece la perspectiva tradicional. Trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, fragmentando líneas y superficies. Se adopta así la llamada «perspectiva múltiple»: se representan todas las partes de un objeto en un mismo plano.

A pesar de ser pintura de vanguardia los géneros que se pintan no son nuevos, y entre ellos se encuentran sobre todo bodegones, paisajes y retratos.

Se eliminan los colores sugerentes que tan típicos eran del impresionismo o el fauvismo. En lugar de ello, utiliza como tonos pictóricos apagados los grises, verdes y marrones. El monocromatismo predominó en la primera época del cubismo, posteriormente se abrió más la paleta.

El cuadro cobra autonomía como objeto con independencia de lo que represente, por ello se llega con el tiempo a pegar o clavar a la tela todo tipo de objetos hasta formar collages.

La obra resultante es de difícil comprensión al no tener un referente naturalista inmediato, y ello explica que fuera el primero de los movimientos artísticos que necesitó una exégesis por parte de la “crítica”, llegando a considerarse el discurso escrito tan importante como la misma práctica artística.

Mobiliario cubista

January 7, 2011

Para a los que les interese este tipo de muebles, es dificil encontrar información sobre el mobiliario cubista según la profesora Maria Uve, licenciada en História del Arte por la Universidad de Barcelona. Aún así, según ella el mobiliario de este tipo no acostumbra a aparecer en los manuales generales de arte sino en libros muy especiales y además, específicos de vanguardias. Debemos acercarnos o bien a este tipo de libros o como otra opción, las revistas.

Según Maria, otra buena opción reside en la búsqueda de autores cubistas y sus monografias. En ellas se puede encontrar mucha más información.

Podemos decir que el mobiliario cubista rechaza abiertamente la ornamentación ya que no cumple ninguna función y es un elemento extraño al mueble.

Asimismo el material del mismo y el color suele ser madera en su tonalidad más favorable. En el caso que fuesen muebles tapizados, se utilizan colores y líneas geométricas, rehuyendo de todo tipo de ornamentación que puediera atraer la atención por algo que no sea el mueble en si mismo.

Lámpara de Josef Gocar

 

La máxima de la forma del mueble cubista reside en el cumplimiento de una función. Angulos rectos, líneas verticales y horizontales… el juego de las formas simples es variadísimo. Se exige pues una gran pureza estética y mucha imaginación para conseguir comodidad y belleza.

Silla de Pavel Janák

A destacar están tres artistas y arquitectos checos llamados Vlastislav Hoffman, Josef Gocar y Pavel Janák. Estos tres hombres formaron parte del movimiento de arte checo que defencian el cubismo activamente sobre todo en Praga desde 1910 a 1914.

Silla de Vlastislav Hoffman

El cubismo y la tipografía

January 4, 2011

El cubismo se enmarca en una época en la que la tipografía estaba experimentando un cambio radical. Las vanguardias hacen temblar los cimientos del arte y el diseño, y la tipografía es un claro ejemplo de esta rotura con los rígidos cánones del pasado.

Diferentes movimientos artísticos de las vanguardias del siglo XX tocan de una manera u otra la tipografía. Todas ellas tienen en común la ruptura con la página de libro clásica: renglones rectos, alineados de forma uniforme, utilizando siempre la misma fuente en un mismo texto y escasas licencias en cuanto a la variación de estilo, color y tamaño de las letras en la página.

El cubismo, como movimiento eminentemente pictórico, no trata directamente la tipografía como lo pudieron hacer otros movimientos más pluridisciplinares como el dadaísmo o el futurismo. Pero de alguna forma sí podemos observar que las bases del cubismo tiene un eco poderoso en posteriores vanguardias y por consiguiente en la forma en que estas tratan la tipografía: una composición mucho más libre, donde prolifera la experimentación formal. La letra es llamada a ser un elemento estético más, que expresa más allá del significado de la palabra: el color, la disposición de las palabras, las formas que generan.. Toda una serie de nuevos recursos inexplorados que llevan a la tipografía de ser una disciplina meramente funcional –colocar palabras de forma que sean legibles y ordenadas- a un elemento con mucha más carga de significado.

Dentro del cubismo tenemos ejemplos del nuevo papel que la palabra empieza a tomar dentro del arte y el diseño. A Picasso se le atribuye el invento del collage, ya en su etapa cubista, con la pintura Naturaleza muerta sobre silla de rejilla (1912). Desde los inicios de esta técnica, los artistas han empleado pedazos de textos impresos para realizar su composiciones. En el collage de Picasso  podemos ver las letras “JOU”, tomadas de la cabecera del diario francés “Le Journal”. Picasso juega en otras pinturas con “Le Journal”, descomponiendo sus sílabas de la misma forma que sus cuadros suponían un experimento representativo de la realidad.

Naturaleza muerta sobre silla de rejilla. Picasso, 1912.

Otros autores cubistas se lanzan a la creación en collage jugando con palabras en sus composiciones. Juan Gris es un ejemplo representativo. Él mismo toma también la palabra “Le Journal” en un cuadro homónimo de 1916.

Le Journal. Juan Gris, 1916

El cubismo empieza a utilizar de forma habitual partes de la tipografía de publicaciones y marcas conocidas, en un contexto en el que la publicidad y los medios masivos tienen cada vez más influencia en la sociedad.

En estas piezas podemos ver como se modifican las palabras, cortándolas, suprimiendo letras… El sentido de la mayoría de estos juegos eran pequeños chistes, sutiles juegos de palabras que enriquecen la obra.

La utilización de marcas y eslógans dándoles nuevos sentidos sin duda es un juego de subversión que encarna perfectamente el espíritu rompedor del arte de la época. Un ejemplo del sentido del humor y la reutilización de reclamos conocidos la tenemos en Notre Avenir Est Dans L’air, una serie de tres bodegones en los que incluía este eslogan que Picasso encontró en un folleto publicitario. Braque y Picasso ironizaban con el hecho de que sus experimentos en el collage y la escultura coincidieron con los del pionero en aviación Wilbur Wright. Picasso utiliza la marca de caldo Kub como una forma de representar en forma de texto el estilo en su obra Paysage aux affiches (Paisaje con pósters, 1912).

Notre Avenir Est Dans L’air. Picasso, 1912.

Paysage aux affiches. Picasso, 1912.

En conclusión, podemos decir que a nivel tipográfico, los collages del cubismo abren toda una vía de experimentación a otras vanguardias como el futurismo y el dadaísmo, que trabajarán de forma intensa nuevas formas compositivas donde se explotan los recursos expresivos de las letras.

Shypon, verre et Journal. Juan Gris, 1916.


Mesa de arquitecto. Picasso, 1912.

 

Sifón, vino y botella. Picasso 1912.

 

Avoirdupois. Max Weber, 1915.